Shelley's Cobwebs and Strange

Nouvelle adresse

Shelley — Sun, 31 Jan 2010 23:22:12 +0000

Retrouvez désormais ce blog à cette nouvelle adresse.

Du nouveau !

Shelley — Sat, 30 Jan 2010 09:43:55 +0000

J’ai le plaisir de vous annoncer mon retour dans la sphère bloguesque.

Dès le lundi 1er février, vous pourrez retrouver une nouvelle version de mon blog à cette adresse.

Pourquoi tant de changements? Quelques petites explications : quand j’ai commencé à rédiger mon premier blog en août dernier, ma motivation principale était d’écrire et de partager quelques uns de mes coups de cœur avec d’autres internautes. Comme tout débutant en la matière, j’ai mis un certain temps à savoir ce que je voulais faire de mon blog. J’ai eu l’impression de partir dans tous les sens, de me contredire… J’étais à deux doigts de tout abandonner lorsqu’en novembre dernier, j’eus le plaisir de me découvrir quelques lectrices qui me donnèrent envie de me remettre au travail. Comme je souhaitais par ailleurs repartir à zéro et que je ne trouvais pas de solutions satisfaisantes pour effectuer cela sur mon ancien blog, je décidais d’en créer un nouveau. J’espère que celles et ceux qui connaissaient l’ancienne version de mon blog en apprécieront les nouvelles orientations et les quelques métamorphoses. Certains articles joueront peut-être les fantômes errants, qui sait…

Par avance un grand merci à celles et ceux qui me suivront dans mon nouveau petit délire ;)

Filed under: Blog, Me, myself and I

Petite pause

Shelley — Sun, 17 Jan 2010 10:17:58 +0000

Ce petit blog va prendre quelques vacances a priori jusqu’au mois de février.

Il a besoin de se refaire une beauté et il est bien possible qu’il réapparaisse sous une nouvelle forme et peut-être même sous un autre nom.

Je souhaitais remercier toutes les personnes qui sont passées par ici, que ce soit celles qui ont simplement lu quelques uns de mes articles ou celles qui ont eu la gentillesse de se faire connaître de moi en me laissant d’adorables petits commentaires.

Merci d’avoir fait vivre mon blog et j’espère sincèrement vous retrouver très vite.

Publié dans Blog, Me, myself and I

Yoshitaka Amano

Shelley — Sun, 10 Jan 2010 08:00:10 +0000

J’ai découvert Yoshitaka Amano par hasard, en flânant dans ma librairie préférée il y a quelques années de cela. Quand mon regard s’est posé sur le livre dont vous pouvez voir la couverture ci-dessous, je n’ai pas hésité une seconde à me l’offrir.

Le Japon me fascine depuis un très long moment et des voyages que j’y ai fait est toujours ressortie une impression de raffinement extrême et pas seulement dans les domaines culturel et artistique. Je me souviens de bentō achetés dans des gares de Tōkyō, ou à bord de trains japonais, qui ressemblaient à de véritables œuvres d’art tant ils étaient emballés avec goût et soin (ça change vraiment des horribles sandwiches sous vide qu’on trouve dans les trains français). Leur art de la table me rend d’ailleurs très admirative, il faudra que je poste ici quelques photos de plats servis dans des restaurants traditionnels de Kyōto car ça vaut vraiment le coup d’œil. Je n’ose même pas parler des costumes traditionnels car là je vais sérieusement devenir trop lyrique! N’empêche qu’il n’y a pas de vêtement plus sensuel que le kimono et je sais de quoi je parle. Mais revenons à Yoshitaka Amano.

Yoshitaka Amano est né en 1952 à Shizuoka, non loin du Mont Fuji. Il se passionne très tôt pour le dessin et dès l’âge de 15 ans, il rejoint les studios de la Tatsunoko Productions où il travaille comme animateur sur des séries telles que Gatchaman (La Bataille des Planètes en français), Casshan ou Hutchi le petit prince orphelin. Amano s’intéresse rapidement à l’illustration et quitte Tatsunoko Productions en 1987 pour s’y consacrer entièrement. La fantasy et la science-fiction deviennent ses domaines de prédilection. Il travaille notamment pour la version japonaise du Science-Fiction Magazine. En 1984, il publie son premier artbook, Maten (Demon Sky). Suivront des collaborations avec des auteurs tels que Hideyuki Kikuchi (Vampire Hunter D), Kaoru Kurimonto (Guin Saga), Yoshiki Tanaka (Arslan Chronicals) ou Baku Yumemakura (Rasen-O, Chimera). Par ailleurs, le réalisateur de Ghost in the Shell, Mamoru Oshii, l’invite à la même époque à collaborer sur son film Tenshi no tamago (L’oeuf de l’Ange) qui deviendra culte par la suite.

(Vampire Hunter D – 1983)

(Guin Saga – 1984)

(Arslan Chronicles – 1986)

A l’aube des années 90, il met pour la première fois en espace ses propres peintures avec l’exposition Hiten au Yurakucho Mullion de Tōkyō. Il se rapproche ensuite du monde du théâtre en créant les décors et les costumes de nombreuses pièces kabuki sous la direction de Tamasaburō Bandō , l’un des plus grands acteurs de la scène japonaise contemporaine.

Hiten (1989)

(Exemples de costumes réalisés par Amano à l’intention de Tamasaburō Bandō pour la pièce de kabuki “Kaijin besso”)

La décennie 90 marque un tournant dans la carrière d’Amano car la renommée qu’il a acquise les années précédentes lui ouvre de nouvelles portes, celles de la conception visuelle de jeux vidéos. Il participe notamment au design des personnages du Final Fantasy de Hironobu Sagakuchi. On retiendra aussi son travail sur Front Mission, Gun Hazard et Kartia: World of Fate.

(Final Fantasy)

Front Mission

En 1997, Yoshitaka Amano quitte le Japon pour s’établir à New York, la ville de ses rêves. L’année suivante, suite à une commande de l’Orchestre Philharmonique de Los Angeles, il s’attaque à la mise en image des Contes des 1001 Nuits dans le cadre du projet Filmharmonic, visant à présenter les travaux inédits de compositeurs de musique de films joués en direct pour accompagner la projection de court-métrages conçus par de grands réalisateurs.

Parallèlement à la réalisation des 1001 Nuits, Amano publie un nouvel artbook d’après le grand classique de la littérature japonaise du XIème siècle, le Genji Monogatari (Le Dit du Genji) de Murasaki Shikubu. Le Dit du Genji retrace de manière très romanesque la vie et les amours du Prince Genji, fils non reconnu de l’Empereur du Japon dont la beauté et le charme font se pâmer toutes les dames de la Cour Impériale de Kyōto, et de son fils Kaoru.

En 1999, Yoshitaka Amano rencontre l’écrivain britannique Neil Gaiman, qui s’apprête à fêter le dixième anniversaire de la série de comics The Sandman dont il est le scénariste. Ce dernier lui propose alors d’illustrer son nouvel opus The Sandman: The Dream Hunters. Quelques extraits ci-dessous.

The Sandman: The Dream Hunters est une des œuvres les plus populaires, mondialement parlant, de Yoshitaka Amano. Vampire Hunter D en est une autre. Les dessins d’Amano associés à la plume de Hideyuki Kikuchi ont fait l’objet de deux adaptations cinématographiques, Vampire Hunter D: Chasseur de Vampires réalisé en 1985 par Toyoo Ashida puis Vampire Hunter D: Bloodlust, réalisé en 2000 par Yoshiaki Kawajiri. Ces deux films ne racontent pas la même histoire et n’ont absolument pas le même traitement visuel. Personnellement je préfère de très loin la version 2000 car bien que ce soit de l’animation on a réellement l’impression de voir un véritable film. Pour avoir plus de détails sur l’histoire, cliquez ici.

(version 1985)

(version 2000)

Actuellement, Yoshitaka Amano continue d’exposer ses œuvres à travers le monde. Il est un des illustrateurs japonais les plus célébrés de son temps.

On peut dire du style d’Amano qu’il fait la synthèse entre arts de l’Orient et arts de l’Occident. Personnellement, j’y vois des influences de techniques japonaises telles que celles de l’ukiyo-e (estampes japonaises gravées sur bois) ou de l’emaki, mais je pense aussi au symbolisme, à l’Art Nouveau et “Fin de Siècle” européens (avec des artistes tels qu’Aubrey Beardsley, Gustav Klimt, Alphonse Mucha ou Gustave Moreau), ainsi qu’au psychédélisme américain (Amano est connu pour admirer l’oeuvre de Peter Max). Personnellement j’apprécie la précision de son trait et le raffinement de son dessin ainsi que son art de mélanger les couleurs. Par ailleurs, je me sens particulièrement attirée par l’univers qu’il aime représenter, avec ses créatures fantastiques, ses anti-héros romantiques et ses histoires d’amours sensuelles.

Pour finir, quelques unes de mes illustrations préférées issues des divers artbooks d’Amano:

(Maten – 1984)

(Hiten – 1989)

Ceci n’est qu’une petite partie des illustrations d’Amano que j’admire et je pense donc y consacrer un deuxième billet prochainement.

N.B: Toutes les illustrations présentées dans cet article sont issues de l’excellent site L’Art de Yoshitaka Amano.

Publié dans Fantastique, Illustration, Japon

Soyons frivoles !

Shelley — Mon, 04 Jan 2010 23:52:13 +0000

Le nouveau millénaire a déjà 10 ans et je ne sais pas vous mais en ce qui me concerne j’ai l’impression que l’an 2000 c’était presque hier. J’en discutais l’autre jour avec mon amie Charlotte autour d’un chocolat chaud aux marshmallows (notre rituel *yummy* de fin d’année) et c’est amusant de voir à quel point nous avions toujours l’impression d’avoir 17 ans ou du moins de sortir du lycée, c’est ce qui s’appelle se bercer d’illusions;)

Comme chaque début d’année, je fais un grand tri, histoire de repartir du bon pied. La plupart du temps, mon placard est la première victime de ce grand ménage: je mets de côté les affaires que je ne porte plus et me décide enfin à me séparer de celles que, de toute façon, je ne porterai jamais, me répétant une fois de plus que je devais être complètement anesthésiée le jour où je les ai achetées. Une fois disparu le contentement d’avoir enfin accompli quelque chose que je rechignais à faire depuis longtemps, je me mets à fantasmer sur les éventuels vêtements qui pourraient combler à nouveau ce vide si joyeusement créé quelques heures auparavant. Bien-sûr j’essaye de me modérer car j’ai toujours un peu la folie des grandeurs, j’aime les belles choses ce qui ne ravit pas toujours mon porte-monnaie, cependant les soldes approchent! Gageons que je saurai concilier le cœur et la raison.

Quels sont les rêves de mon placard?

- Un nouveau manteau. Je possède une redingote noire de toute beauté et terriblement romantique (au sens historique du terme) mais j’aimerais trouver un manteau un peu plus court et de style plus anglais comme ce modèle de la collection Anglomania de Vivienne Westwood:

- Trouver un nouveau sac n’est pas dans mes priorités cependant je craquerais volontiers pour celui-ci qui irait bien avec le manteau ci-dessus:

(Sac Vivienne Westwood)

J’aime aussi beaucoup les modèles délicieusement rétro de la créatrice anglaise Karina présentés par Mademoiselle M. dans ce billet. Un petit exemple:

- Et pourquoi pas des chaussures comme celles très années 40 d’Alberta Ferretti …

… pour aller avec cette robe de Jean-Paul Gaultier…

… ou ce modèle papillonnant de Marc Jacobs juste parce qu’il est ravissant (oui, j’ai espoir en les soldes!!!)…

… ce qui me donne envie de collants de toutes les couleurs, comme ceux d’American Apparel, afin de les faire jouer à cache-cache avec ces Doc Martens réinterprétées par Jean-Paul Gaultier …

…bien qu’elles risquent de ne pas être vraiment dans mes prix, quoique tout ce que j’ai cité plus haut fait déjà pleurer mon banquier. Un peu de sagesse, voyons! Ainsi, il est plus probable que je me rabatte sur ce modèle de Doc Martens qui correspond bien à mon côté je mets les-doigts dans la prise de temps en temps…

… et dans la même idée, je me verrais bien tenir cette pochette Vivienne Westwood ou porter ces boucles d’oreilles tête de mort Alexander McQueen avec lequel je partage cette “légère” obsession pour le macabre…

… et mon monde serait parfait si j’y ajoutais une petite robe des anglaises de Get Cutie (que je prévois d’ailleurs de dévaliser très prochainement tant je trouve leurs modèles originaux et très Cry-Baby -souvenez-vous du film de John Waters avec Johnny Depp)

(oui, ce sont bien de petites chauves-souris)

… et peut-être un jolie petit bandeau pour coiffer ma petite tête ;)

(j’aime beaucoup le motif que l’on entr’aperçoit sur cette robe)

Sinon l’hiver ne durera pas toute l’année et je pense déjà au futur, aux sorties printanières et aux soirées estivales en amoureux quand le jour commence à tomber, que l’on sent une légère brise sur son épaule et que “les sons et les parfums tournent dans l’air du soir” (merci Baudelaire). Pour cela, j’invoque les irrésistibles créations de Vivien of Holloway que je trouve absolument délicieuses et qui me font littéralement baver d’envie!!!

Pour une balade sur les quais de Seine en s’abritant du soleil sous une ombrelle chinoise, ce sarong revisité.

Pour une journée shopping entre amies chaussée de Louboutin -ah, fantasme absolu!!!

Pour un picnic au parc improvisé par mon amoureux en n’emportant que le strict nécessaire, un rouge Dior par exemple, dans un petit sac.

(Chaussures Vivienne Westwood Anglomania + Melissa Lady Dragon II)

(sac Tosca blu)

Et juste pour s’amuser un peu en bord de mer.

Conclusion:

A la vue de tout cela, il semblerait que je sois désormais virtuellement ruinée!

Je ne m’offrirai bien-sûr pas toutes les belles choses citées dans ce billet mais j’espère en trouver certaines et m’inspirer des autres pour dénicher un équivalent. Résultat des courses dans un mois!

Sur ce, merci pour votre patiente lecture et à une prochaine fois j’espère ;)

Publié dans Me, myself and I, Mode

Happy New Year 2010 !

Shelley — Fri, 01 Jan 2010 20:07:59 +0000

Je vous souhaite une très belle et heureuse nouvelle année 2010 !!!

J’ai très envie de commencer l’année avec quelque chose de beau et de poétique. Voici donc deux petits films du réalisateur et animateur japonais Kihachirō Kawamoto qui me font particulièrement rêver.

Kataku (1979)

Oni (1972)

Né en 1925, Kihachirō Kawamoto se passionne dès l’enfance pour les poupées et les marionnettes. C’est après avoir vu les oeuvres du maître de l’animation tchèque Jiri Trnka, qu’il s’intéresse à l’animation de marionnettes en stop motion, travaillant dans les années 50 avec l’un des pionniers de cette technique au Japon, Tadahito Mochinaga. Peu après avoir co-fondé en 1958 la société Shiba Productions, spécialisée dans l’animation commerciale pour la télévision, il part se perfectionner une année durant dans l’art de donner vie aux marionnettes auprès de Jiri Trnka à Prague. Celui-ci l’encourage vivement à s’inspirer dans son travail de la richesse culturelle de son propre pays et à se nourrir de sa propre identité. Dès la fin des années 60, Kihachirō Kawamoto commence à réaliser plusieurs courts-métrages où l’on dénote une forte influence des diverses esthétiques du théâtre traditionnel japonais (Nō, Kabuki et Bunraku) et des films tels que Oni (Le Démon, 1972), Dojoji (1976), Kataku (La Maison de la Flamme, 1979), Sangokushi (La Romance des Trois Royaumes, 1982-84), La Belle Endormie (1990, en hommage à son maître Jiri Trnka) ou Heike Monogatari (L’Histoire de Heike, 1993-94) recevant de nombreux prix lui apportent une reconnaissance internationale. Son dernier opus, Shisha no sho (Le Livre des Morts) date de 2005 et a été présenté lors du 40ème Festival International du Film de Karlovy Vary en Tchécoslovaquie dans le cadre d’une rétrospective qui lui était consacrée.

Une partie des films cités ci-dessus ont récemment été édités en DVD sous le titre The Exquisite Short Films of Kihachirō Kawamoto.

Publié dans Animation, Blog, Japon

Gormenghast sur Arte

Shelley — Wed, 30 Dec 2009 07:24:42 +0000

Les samedi 2 et dimanche 3 janvier prochains, Mervyn Peake sera à l’honneur sur Arte à travers sa Trilogie de Gormenghast, grand classique de la fantasy anglaise au même titre que Le Seigneur des Anneaux de J.R.R. Tolkien.

Bien qu’il soit un auteur culte outre-manche, Mervyn Peake (1911-1968) reste mal connu en France et ce malgré la relative facilité avec laquelle on peut mettre de nos jours la main sur ses écrits. Longtemps on ne le considéra que pour son travail d’illustrateur -il fut dans sa jeunesse l’un des élèves les plus doués de la Royal Academy of Arts de Londres- tant son style était décoiffant, farfelu et pour tout dire purement jouissif. Bien que dans la même veine que son travail pictural, ses œuvres littéraires eurent beaucoup plus de mal à trouver leur public (une partie de la critique de l’époque y vit cependant planer les ombres bienveillantes de François Rabelais, Jonathan Swift ou John Cowper Powys). Il faut dire par ailleurs que la vie de Mervyn Peake fut bien courte. A l’âge de 45 ans apparaissaient les premiers symptômes de la maladie de Parkinson qui l’emporterait une dizaine d’années plus tard (et qui lui donnerait du fil à retordre quand il se lancerait dans la rédaction et l’illustration du dernier volet de sa Trilogie de Gormenghast, Titus Errant, paru en 1957).

Pour faire court et ne pas trop dévoiler l’intrigue, la Trilogie de Gormenghast, composé de Titus d’Enfer (Titus Groan, 1946), Gormenghast (id. 1950) et Titus Errant (Titus Alone, 1959), a pour objet la vie de la querelleuse famille d’Enfer en sa froide et mystérieuse demeure de Gormenghast. Ambiance gothique assurée avec son lot de secrets, de complots et de meurtres mais tout cela décrit avec une bonne dose de ce nonsense typiquement anglais si jubilatoire qui fait que l’on ne sombre jamais dans quelque chose de lourd et de pathétique.

(Ci-dessus les couvertures des premières éditions de la Trilogie de Gormenghast)

Je n’ai jamais eu la chance de voir l’adaptation télévisuelle que nous proposera Arte le week-end prochain. Le fait qu’elle soit produite par la BBC est en soi un gage de qualité et la présence de grandes figures de la scène et du cinéma anglais tels que Sir Christopher Lee ou Ian Richardson est plutôt alléchante. Personnellement je suis curieuse de voir l’interprétation de Jonathan Rhys-Meyers en Finelame. Histoire de se faire une petite idée de ce qui nous attend, voici un petit trailer:

Pour l’instant ma seule inquiétude vient de l’apparente absence de v.o.s.t et l’existence d’une version multilingue n’est pas indiquée sur le site d’Arte. Enfin, comme on dit… Wait and see!

Pour en savoir plus sur Mervyn Peake et ses oeuvres, je vous conseille d’aller faire un petit tour sur ce site. Sinon pour plus de précisions concernant la diffusion de la mini-série Gormenghast, voici la page qu’Arte y consacre.

Publié dans Littérature, Livres, TV

He’s alive, he’s alive… but only in theory !

Shelley — Mon, 28 Dec 2009 21:52:18 +0000

Comme le Lapin Blanc d’Alice, je suis toujours en retard et débordée et mon petit blog commence sérieusement à prendre la poussière (d’un autre côté, cobwebs and strange…)

Je manque horriblement de temps et même si j’expérimente la montre à remonter dans le temps façon The Twilight Zone, tout ça risque de se finir comme dans le Treehouse of Horror XIV des Simpsons. Un petit changement de cap est donc nécessaire.

Je vais donc essayer de rédiger de manière plus fréquente de courts billets qui présenteront succinctement un personnage ou une œuvre dont j’ai envie de partager la connaissance, ce qui ne m’empêchera pas d’écrire aussi des articles “de fond” quand j’en aurais le temps.

Sur ce, je vais jouer les Docteur Frankenstein ;)

Publié dans Blog, Me, myself and I

Merry Christmas Everyone !

Shelley — Fri, 25 Dec 2009 10:22:46 +0000

Publié dans Blog, Musique

Charles Frederick Worth

Shelley — Sun, 06 Dec 2009 16:53:50 +0000

Le comble de la haute-couture française est d’avoir été inventée par un anglais. Le raccourci peut sembler hasardeux pourtant Charles Frederick Worth, né d’extraction modeste le 13 octobre 1825 à Bourne dans le comté du Lincolnshire, fut le couturier le plus prisé de la deuxième moitié du 19ème siècle, habillant de ses créations toute la haute-société européenne, de la Princesse Pauline de Metternich à l’Impératrice Eugénie, en passant par la Reine Victoria et l’Impératrice Elizabeth d’Autriche.

Quelques éléments biographiques. Ce n’est qu’à l’âge de 20 ans que Charles Frederick Worth débarque à Paris. Avant cela, on peut considérer ses années anglaises comme des années de formation. Quittant rapidement sa ville natale pour la capitale londonienne, il devient apprenti puis employé chez plusieurs marchands de textiles (dont le très fameux Swan & Edgar de Picadilly Circus aujourd’hui disparu et son concurrent de Regent Street, situé à quelques mètres de là, Lewis & Allenby) où il est confronté aux compétences techniques que requiert le métier de couturier et les besoins matériels qu’il génère: quel type de tissu donnera tel ou tel rendu, combien de mètres de tissu seront nécessaires à la confection de tel ou tel vêtement, etc… Sa nature curieuse le pousse par ailleurs à visiter les nombreux musées de Londres et voir les expositions alors en vogue. Worth s’intéresse en particulier au portrait historique et celui-ci ayant toujours eu pour mission de mettre en scène les grands de ce monde afin d’asseoir leur pouvoir et leur autorité, il apprend ainsi à identifier les codes qui régissent ce microcosme qu’est la haute-société.

Quand Worth arrive à Paris en 1845, il n’a que 117 francs en poche. Après quelques déboires, il trouve enfin un travail chez Gagelin & Opigez, marchand réputé de tissus et de mercerie de luxe, dont il finit par devenir le vendeur en chef. Il s’y prend d’amour pour Marie Vernet qu’il épouse en 1851 (suite à cela, elle deviendra demoiselle de magasin chez Gagelin & Opigez). C’est à partir de ce moment-là qu’il se laisse véritablement aller à son désir de créer des vêtements et sa femme lui servira de premier modèle. Souhaitant la voir paraître sous ses plus beaux atours, il confectionne à son attention de nombreuses tenues qui font l’admiration de ses collègues et clients, si bien que Gagelin décide d’ouvrir en ses murs un département couture qui présentera les créations de Worth et qui connaîtra la gloire lorsque celles-ci seront récompensées aux Grandes Expositions Universelles de Londres (1851) et de Paris (1855). En 1858, Worth quitte Gagelin & Opigez pour fonder sa propre maison, 7 rue de la Paix, avec l’aide d’un ami suédois Otto Gustav Boberg, lui-même commis chez Gagelin. La Maison Worth & Boberg était née.

Le 2 décembre 1852, Louis-Napoléon Bonaparte, premier Président de la République Française, devenait Empereur des Français sous le nom de Napoléon III, suite au Coup d’Etat du 2 décembre 1851 qu’il avait lui-même fomenté. C’était le commencement du Second Empire. En épousant l’année suivante, Eugénie de Montijo, qui lui donnerait un fils en 1856, Napoléon III rendait à la France une famille royale qu’elle avait perdue avec la chute de Napoléon I, ce qui annonçait bien-sûr un retour aux fastes d’antan, ce qui à son tour profita largement à Charles Frederick Worth dont la propre ascension coïncidait avec celle des Napoléon. Ce fut la Princesse Pauline de Metternich qui inaugura la valse des clientes royales à la Maison Worth. Les Impératrice Eugénie et Elizabeth d’Autriche, la Tsarine de Russie, la Reine Victoria et la Reine d’Italie suivirent, offrant à Worth la plus efficace des promotions. Le nombre d’élégantes à se précipiter à la Maison Worth dans les années 1860 fut tel qu’on parla d’ère Worth. On y verra aussi défiler un peu plus tard de célèbres actrices et chanteuses telles que Sarah Bernhardt, Lillie Langtry, Nellie Melba ou Jenny Lind.

Le seul frein au succès de Worth fut la Guerre Franco-Prussienne de 1870 qui poussa les élites parisiennes, principales clientes de la Maison Worth, à fuir la capitale mais ce ne fut que temporaire. A la mort de Charles Frederick Worth, le 10 mars 1895, ses deux fils, Jean-Philippe (1856-1926) et Gaston (1853-1924), qui avaient rejoint la firme familiale en 1874, reprirent les rênes de la Maison Worth, le premier s’occupant de la création, le second de la gestion des finances. Leur travail permit à la Maison Worth d’entrer dans le 20ème siècle (les modèles de Jean-Philippe Worth furent présentés à la manifestation “Les Toilettes de la Collectivité de la Couture” de l’Exposition Universelle de Paris de 1900) et de faire perdurer son succès jusqu’aux années 20, malgré la concurrence de Jeanne Paquin ou des Soeurs Callot par exemple. Par ailleurs, grâce au prestige acquis par la Maison Worth depuis sa création, Gaston Worth put jouer de son autorité afin de créer en 1927 la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne afin de réglementer le monde de la couture et faire cesser les rivalités qui y régnaient alors. La Maison Worth ferma ses portes en 1952 lorsque le petit-fils de Charles Frederick Worth, Jean-Charles (1881-1962), se retira des affaires.

L’apport principal de Charles Frederick Worth à la haute-couture fut d’en inventer les principaux codes. De nos jours quand on dit haute-couture, on pense automatiquement créateurs, mannequins, défilés, collections saisonnières et c’est à Worth que l’on doit cela. Avant lui, les couturiers créaient leurs modèles selon les désirs de leurs clientes. C’était un travail de commande où l’on faisait plus appel au savoir-faire artisanal du couturier qu’à son imagination. Worth fut le premier à créer des collections (dont la thématique variait selon la saison) qu’il présentait plusieurs fois par an dans les luxueux salons de sa maison de couture. Les clientes faisaient leur choix parmi les modèles qu’elles voyaient défiler et Worth les ajustait ensuite à leurs mensurations. En somme, ce n’était plus au couturier de s’adapter aux goûts de la cliente mais à la cliente de s’adapter au goût du couturier qui devenait ainsi le seul et unique maître de sa création. De plus, avant Worth, la tradition voulait que les couturiers fassent connaître leur travail en présentant à leur clientèle et à la presse des poupées qu’ils habillaient. Worth décida pour sa part d’habiller de véritables êtres humains, inventant de ce fait le mannequinat. Par ailleurs, Worth, en décidant d’étendre son domaine d’activité à d’autres secteurs que celui du vêtement et en s’entourant pour cela d’artisans spécialisés dans la confection de chaussures et de sacs, fit de son nom une marque, ce qui était un première à l’époque.

La société du 19ème siècle était une société extrêmement codifiée et figée dans ses mœurs. La mode n’échappait bien-sûr pas à l’étiquette et il était obligatoire pour une femme fortunée d’avoir une garde-robe à la hauteur de son rang. Ainsi, une femme de la haute-société se devait de changer sa tenue au moins trois fois par jour, ce chiffre pouvant varier selon qu’elle restait chez elle ou en sortait. Si elle sortait, il fallait par ailleurs veiller à adapter sa tenue au lieu où elle se rendait ou à l’évènement auquel elle prévoyait d’assister. Bref, on comprend que Worth ait fait fortune car quand on pense qu’en moyenne la garde-robe d’une femme du grand monde se composait de robes d’intérieur et d’extérieur pour le matin, l’après-midi et le soir, de robes pour le bal, le théâtre, les réceptions, les mariages, les enterrements et tout autre type d’évènement à caractère officiel, il ne devait pas manquer de travail.

Dans ce célèbre tableau peint en 1865 par Franz Xaver Winterhalter , le portraitiste attitré du gotha européen du 19ème siècle, l’Impératrice Elizabeth d’Autriche porte une crinoline créée à son intention par Charles Frederick Worth. A cette époque-là, la crinoline était en vogue cependant elle faisait aussi l’objet de nombreuses caricatures tant ses proportions finissaient par dépasser l’entendement.

Le trop grand nombre de jupons que l’on faisait reposer sur l’armature de la crinoline entravait les femmes, les empêchant de se mouvoir facilement ou de s’asseoir, et Charles Frederick Worth contribua à les libérer en inventant la tournure qui, bien qu’elle ait la même fonction que la crinoline (soutenir l’ampleur de la jupe, accentuer la taille…), était d’un volume beaucoup mois conséquent et plutôt ramené vers l’arrière (l’autre nom de la tournure était le faux-cul):

Une crinoline

Une tournure

Quelques exemples du travail de Charles Frederick Worth:

Robe de bal (ca.1872) - Metropolitan Museum of Art, New-York

Robe du soir (1881) - Victoria and Albert Museum, Londres

Robe du soir (1883)

Robe de jour (1883-85) - Metropolitan Museum of Art, New-York

Robe du soir (1884)

Robe de bal (1885)

Robes du soir (1887/1892) - Metropolitan Museum of Art, New-York

Robe dite "aux tulipes hollandaises" (1889)

Publié dans Costume, Mode